Научная конференция «Проблема цвета в искусстве и искусствознании»
В понедельник, 22 ноября 2021 года, в РИИИ прошла Научная конференция «Проблема цвета в искусстве и искусствознании» (цикл «Зубовские чтения»).
Цвет в (изобразительном) искусстве, пожалуй, самое загадочное свойство художественного произведения. При кажущейся простоте этого явления, если подходить к нему с позиций строгих наук — физики (оптики), прежде всего, — в конкретных произведениях легко обнаруживается поистине бесконечный набор комбинаций, то есть нечто ускользающее от какого-либо измерения и приведения в систему. Напрашивается тривиальное сравнение с музыкой, где простые факты акустики — ограниченный и легко измеримый звукоряд — путем бесконечного комбинирования также порождают исключительную сложность. О цвете в искусстве сказано немало, ибо опять же игнорировать его вовсе могут лишь страдающие тяжелой формой дальтонизма, каковых, в принципе, немного, и уж точно их нет среди художников или ценителей искусства! Но, как и в отношении других «основных понятий», простая констатация совершенства колористической композиции, восхищение силой и оригинальностью цветового чувства лишь тогда уступили место детальному разбору, когда целостность классической картины распалась, породив параллельные феномены: современное искусство (модернизм) и искусствознание. Вновь можно прибегнуть к не слишком оригинальному утверждению, что избыток теоретизирования в какой-либо области свидетельствует о неспособности к непосредственному действию, недостатке воления, попросту нежелании воплощать замысел в творчестве, а не в разговорах о нем. Очевидно, что не только Рунге, но и Кандинский великими колористами считаться не могут, тогда как их вклад в теорию цвета значителен, — что уж говорить о наших коллегах, от которых мы и не ждем какого-то практического подкрепления общих (таких ценных!) слов. Как ни оценивай теперешнее положение вещей, былая целостность не явится вновь, стало быть, приходится действовать в существующих условиях, внимательно анализируя все то, что некогда познавалось каким-то более естественным образом. Достижения на этом пути — с обеих сторон, как искусства, так и искусствознания — весьма значительны, тут есть что обсудить, даже попытаться вынести сделанному оценку.
Конференция прошла онлайн.
ПРОГРАММА
Вступительное слово.
И. Д. Чечот (РИИИ). — Почему цвет и колорит остаются пасынками искусствоведения?
Доклады
Т. Мороз (СПбГУ). — Полихромность как приём: свет и цвет в творчестве Гварино Гварини
В XVII веке произошел ряд открытий в области оптики, в частности был установлен закон преломления света Снеллиуса / Декарта, повлиявший на развитие искусства барокко. Проблема света коснулась и барочной архитектуры, в которой сформировались методы оформления внутреннего пространства с помощью игры света и тени. Автор доклада ставит перед собой задачу рассмотреть, какую роль не только свет, но и цвет играет в теории и практике итальянского мастера позднего барокко Гварино Гварини.
И. Саблин (РИИИ). — «Неба синь да земли конура…»: Сезанн и его предшественники
В докладе рассматривается судьба самого сложного цвета в истории классического искусства. Его неожиданное появление у Сезанна в качестве чуть ли ни основного колористического инструмента, несомненно, не могло случиться на пустом месте. Попробуем проследить, как функционировал синий цвет в предшествующие эпохи — и у выдающихся колористов, и художников иной направленности.
И. Чечот (РИИИ). — Зеленый цвет Константина Сомова (памяти М. М. Алленова)
В докладе будет сделана попытка описать особенности употребления зеленых оттенков в живописи и графике Сомова. Ставится вопрос о происхождении колорита Сомова и, в частности, его любви к зеленому. Рассматривается вопрос о месте зеленого в стиле модерн и в эпохе символизма. Эти вопросы рассматриваются в контексте отношения Сомова к живой и неживой природе, к текстилю, интерьеру. Докладчик коснется также гендерной проблематики в связи с особенностями зеленого у Сомова. Целью доклада является приближение к обобщенному понятию «зеленого у Сомова» как индивидуального и культурного символа.
А. Смолянская (РИИИ). — Совершенство оптики: о новых технологических возможностях в исследованиях цвета в живописи
Достижения физики издавна применяются в области сохранения культурного наследия. Но результаты подобных исследований полезны не только для реставрации и консервации предметов искусства, но и с точки зрения их теоретического, искусствоведческого осмысления. Так, в 2017 году в Институте Дёрнера в Мюнхене был проведен технико-технологический анализ пигментных слоев картины Франца Марка “Große Landschaft I” (1910). Исследование позволило понять захватывающий творческий процесс, в котором создавался пейзаж. Благодаря физической экспертизе одной картины мы смогли проследить эволюцию в живописи художника — поэтическую, композиционную и прежде всего — колористическую.
Т. Остапущенко (СПбГУ). — Алексей Явленский и поиск путей анализа сущности цвета
Цвет является одной из тех категорий живописного произведения, о которых редко ведется речь как о самостоятельных художественных единицах. Оттого вопросы его необходимости и смысла относительно самой картины назревают с большей силой. Творчество Алексея Явленского — тот случай, когда материал благоволит к разговору о цвете, однако, несмотря на многочисленные попытки объясниться, мы оказываемся как никогда далеки от понимания природы этого феномена. Быть может, взгляд на проблему под новым углом позволит прояснить многие места?
15.00–16.00 Перерыв на обед
С. Иванова (РИИИ). — Черный в иконе
Это очередной призыв поразмышлять о вопросе, связанном со значением цвета в иконописи — возможно, слишком общем, с которого и началось «открытие иконы» (А. Бенуа) в XX веке, но именно поэтому и слишком размытом в настоящее время. Есть ли у цвета на иконе некое несомненное «значение», является ли цвет неким «знаком» или «символом» в иконописи. Соотносятся ли с замыслом художника-иконописца современные трактовки «значения цвета» в произведениях древней живописи?
А. Королев (РИИИ). — Цветовая артикуляция и живопись модернизма
Для характеристики достоинств живописи модернизма часто некритически привлекают понятие о гармонии. Поскольку идея гармонии восходит к классической эпохе, возникает противоречие, выходом из которого может стать понятие об артикуляции. Как и гармония, оно восходит к музыке и имеет значительные преимущества для описания усвоенного в эпоху модернизма альтернативного классическому принципа живописной организации.
А. Бобриков (РИИИ). — Кто боится красного, желтого и синего?
Сюжет построен на распаде живописного единства (как оно понималось в эпоху абстрактного экспрессионизма рубежа 1940–1950-х годов) — и на противопоставлении цвета и фактуры как разных направлений эволюции методологий, так или иначе наследующих модернистской живописи. На первом этапе — на выходе из единства — именно фактура воплощает ценности «подлинно живописного», в то время как цвет — разом утративший живописную природу — переходит в мир программных манипуляций минимализма и поп-арта в пространстве науки, техники и массовой культуры. Поэтому ответ на вопрос Барнетта Ньюмена «кто боится красного, желтого и синего?», то есть цвета как такового — в мире искусства 1960-х, а отчасти и в современном искусстве, — скорее всего, будет выглядеть так: наследники живописи; сама живопись.
В. Саргсян (СПбГУ). — Цвет в искусстве Марии Лассниг
Мария Лассниг — австрийская художница XX века, известная психологически выразительными автопортретами. В своих работах Лассниг исследует «осознание тела» в рамках ее собственной концепции Körpergefühl (телесного чувства) с использованием искаженных или преувеличенных черт для изображения внутренних ощущений и чувств. Цвет в этом методе оказывается крайне важным, поскольку именно он подчеркивает малейшие изменения в теле и его динамику. Как говорила сама художница: «Существуют цвета для боли и цвета для агонии, цвета для нервных волокон, цвета для нужды и сытости, цвета для растяжения и нажатия, опустошения и вздутия, разложения и горения, смерти и распада, цвета для страха заболеть раком — все это цвета реальности». В докладе будет рассмотрена роль цвета в произведениях Марии Лассниг в рамках не только ее личной теории, но и с точки зрения влияния австрийской живописной традиции и современных ей художественных практик.
А. Стадникова (СПбГУ). — Проблема цвета в гренландской серии Рокуэлла Кента
Современный зритель знаком с творчеством американского художника Рокуэлла Кента по его иллюстрациям к произведениям мировой литературы (Г. Мелвилла, У. Шекспира) и картинам северных пейзажей, скрытых в дальних залах музеев. В период с 1929 по 1935 год Рокуэлл Кент трижды совершал путешествия в Гренландию, итогом его поездок стали дневниковые записи и серия живописных работ. Автор доклада ставит задачу исследовать цветовую палитру гренландских пейзажей и место серии в художественной деятельности художника.
Опубликовано: 22 ноября 2021 / Обновлено: 28 ноября 2021